Jamais deux sans trois ! Gageure tenue par Charles Roubaud qui a réussi l’exploit de renouveler totalement son approche d’Aïda, dont il signe la troisième production aux Chorégies d’Orange, après celles de 1995 et 2006. Un vrai défi dans la mesure où ce lieu grandiose exige un minimum de faste pour satisfaire un public populaire venu autant pour les spectacles que pour les voix.

Ce n’est pas un hasard si comme aux arènes de Vérone, Aïda est l’ouvrage le plus souvent représenté aux Chorégies, qui célèbrent cet été le quarantième anniversaire de leur renaissance. C’est en effet en 1971 que Jacques Bourgeois et Jean Darnel ont ressuscité une manifestation devenue incontournable autant dans la vie lyrique française que parmi les festivals internationaux, Raymond Duffaut ayant pris leur relais avec le même succès dès 1981.

Afin d’éviter de se répéter, le metteur en scène a judicieusement transposé l’action dans l’Égypte contemporaine de la création de l’ouvrage en 1869, pour l’inauguration du Canal de Suez. Une pratique sans doute à la mode mais justifiée, cette fois, par des éléments historiques jamais exploités jusqu’ici. En effet, l’Éthiopie n’existait pas au temps des pharaons et son unique guerre contre l’Égypte se déroula entre… 1875 et 1880.

Sans bouleverser fondamentalement un livret prémonitoire, la production sobre et élégante de Roubaud, avec de superbes costumes de Katia Duflot, nous installe dans une identité arabe et un contexte colonial précédant de peu les bouleversements politiques du XX^e siècle, voire les événements récents. C’est bien vu, bien mené, efficace, esthétiquement beau, sans pompiérisme et suffisamment spectaculaire pour satisfaire ceux qui veulent du faste, du mouvement et de l’exotisme.

Le Triomphe n’a rien de triomphal et met l’accent sur la liesse populaire et les conflits ethniques. Rarement la majesté naturelle du lieu aura été aussi bien préservée : décor ajouté minimum avec deux paires de sphinx de chaque côté du plateau et le mur dans son intégrité (scénographie d’Emmanuelle Favre). De judicieuses projections et vidéos permettent de créer l’illusion des palais et temples orientaux.

Malheureusement, les pointures vocales ne sont pas vraiment au rendez-vous, à l’exception de la glorieuse Amneris d’Ekaterina Gubanova, qu’on n’attendait pas aussi authentiquement verdienne de style et d’accent. Depuis ses modestes débuts à l’Opéra Bastille grâce à Gerard Mortier qui avait flairé ses immenses possibilités, on a suivi avec intérêt l’ascension de la mezzo russe de Brangäne à Nicklausse jusqu’à sa récente Fricka de référence dans la Walkyrie de la Scala.

Sans démériter, Carlo Ventre est un Radamès musical mais assez pâle et dénué d’éclat. Le baryton polonais Andrezj Dobber n’a pas exactement les moyens et la couleur vocale d’Amonasro. Giacomo Prestia est un Ramfis plus qu’honorable et Julien Dran (Un messagero) et Ludivine Gombert (La Sacerdotessa) se font agréablement remarquer.

Le problème majeur reste le rôle-titre, assumé par la sculpturale Indra Thomas, dont les moyens se sont dangereusement détériorés depuis ses Aïda in loco en 2006. Le timbre reste beau avec, de temps en temps, des piani bienvenus, mais les problèmes d’aigus et surtout d’intonation sont constants et elle est trop souvent en difficulté.

Il est vrai que Tugan Sokhiev, exclusivement préoccupé par son magnifique orchestre, ne l’aide pas. Le chef ne se soucie guère de chanteurs laissés à eux-mêmes et qui n’ont qu’à suivre, d’où de fréquents décalages le soir de la première. En revanche, l’Orchestre du Capitole – comme les valeureux choristes – est somptueux de couleurs, de transparence, de précision.

On admire autant les cordes que les trompettes, d’une justesse impeccable. La direction raffinée – parfois presque trop léchée et au ralenti – du maestro ossète privilégie le lyrisme de la partition, mais il sait aussi faire preuve de rythme et de vivacité, en particulier pendant la danse endiablée des enfants. Mais répertoire russe mis à part, Sokhiev n’a pour l’heure pas toujours les qualités d’un vrai chef de théâtre.