On connaĂ®t l’anecdote cĂ©lèbre de ce grand violoniste qu’un admirateur fĂ©licitait pour l’exceptionnelle qualitĂ© de son instrument et qui, lui tendant son violon rĂ©pondit : « Essayez ! Â». Ainsi, mĂŞme si le violoncelle que joue Gautier Capuçon, un Matteo Goffriter de 1701 aux couleurs brunes mordorĂ©es incroyables, est Ă  l’évidence un instrument d’exception, ne minimisons pas l’art du virtuose qui en tire des sons d’une pareille beautĂ©.

Car ce qui aura marqué avant tout cette belle soirée de musique de chambre aura été cette perfection sonore, gratifiante sans faiblesse, dans tous les styles, dans toutes les tessitures et dans tous les effets techniques les plus pointus utilisés par les quatre compositeurs. Partenaire parfait, Frank Braley a su affirmer sa personnalité en totale fusion avec celle de Gautier Capuçon.

Le violoncelle jusqu’alors instrument de continuo, n’avait pas Ă©mergĂ© comme vĂ©ritable instrument soliste, notamment grâce Ă  l’attention que lui avait portĂ© Bach, depuis bien longtemps, quand Beethoven composa cette première sonate qu’il qualifie d’ailleurs « pour clavecin ou pianoforte avec violoncelle obligĂ© Â».

Un quart de siècle plus tard, c’est pour l’arpeggione, instrument hybride à la vie brève, que Schubert écrit sa Sonate en la mineur qui passera très vite au répertoire du violoncelle romantique. Ces deux partitions sont donc, chacune à sa manière, des jalons significatifs dans l’évolution de l’instrument et dans son implantation aux côtés du violon comme véritable soliste, d’autant que Schubert n’écrira rien d’autre pour le seul violoncelle.

Avec une grande lucidité, les deux interprètes ont su dans cette première partie du concert caractériser tout ce qui peut faire la différence entre le langage d’un Beethoven encore jeune et celui d’un Schubert à quatre ans seulement de la mort. Chez le premier, il y a une volonté dominante de mettre en valeur l’instrument en tant que tel, d’en montrer les possibilités, le message expressif ne frappant pas par sa profondeur ni par son originalité.

Il y a de belles phrases qui chantent avec chaleur, de la virtuosité et le son riche et charnu de Gautier Capuçon met tout cela bien en valeur. Chez Schubert, on est beaucoup plus dans un discours où le mal-être romantique est au premier plan, ce qui rend forcément l’œuvre plus intéressante, plus parlante à la sensibilité. Capuçon et Braley savent alors trouver d’autres sonorités, d’autres phrasés, d’autres équilibres, conformes à cette écriture nettement différente.

La deuxième partie du programme nous ramène au XX^e siècle avec Debussy et Britten. Deux partitions à la forte personnalité, celle de Debussy exploitant mille ressources souvent ignorées de l’instrument, celle de Britten répondant à un souhait de Rostropovitch et donc inspirée par cet interprète hors du commun.

Gautier Capuçon domine de façon magistrale les écueils assez pervers qui jalonnent la sonate de Debussy, une fois encore sans jamais que le son perde sa musicalité ni sa séduction. Frank Braley assume tout aussi bien le rôle difficile dévolu au piano par Debussy qui voulait qu’il soit ici juste assez présent pour exister sans surtout prendre le pas sur le violoncelle. Un vrai défi relevé avec classe.

Quant à la Sonate op. 65 de Britten, elle requiert des interprètes une malléabilité et une versatilité aussi habiles que celles demandées à un chanteur dans un cycle de Lieder. La dénomination de ses cinq mouvements, Dialogo, Scherzo, Elegia, Marcia et Moto perpetuo, suffisent à évoquer la variété de tempi, d’humeurs et de couleurs qui est exigée des interprètes.

Intelligemment, avec astuce et goût, les deux instrumentistes redent pleinement justice à toutes les intentions la musique de Britten, compositeur dont on ignore chez nous encore beaucoup certaines richesses.