Pour préluder agréablement aux célébrations du 250^e anniversaire de la naissance de Mozart, cette Flûte enchantée exhumée des archives d'Unitel par le label jaune devrait séduire petits et grands, dilettantes comme mélomanes aguerris. La très jolie mise en scène d'Everding joue habilement sur une esthétique de livre d'images tout à fait en accord avec le merveilleux du livret, et ménage quelques tableaux très réussis – les apparitions de Papagena – au milieu d'un ensemble charmant quoique très classique. Grand tenant de l'oeuvre au disque, Sawallisch dirige de main de maître un opéra dont il connaît les moindres méandres, et l'orchestre reste celui de l'Opéra d'État de Bavière, même si hautbois et flûtes manquent parfois vraiment de grâce. Le plateau, surtout, étincelle des plus beaux feux du moment, avec la Reine de la nuit pyrotechnique de Gruberova, le Sprecher de luxe de Rootering, le Tamino idéal de noblesse et de sensibilité d'Araiza, et surtout le satin frémissant de Popp en une Pamina toute bonté et douceur, au chant irradiant et au phrasé jamais anodin. Brendel, un brin neutre, et Moll, dont les graves somptueux compensent un aigu pas toujours magnifique, défendent avec panache Papageno et Sarastro, et les solistes du Tölzer Knabenchor excellent ici peut-être encore plus qu'ailleurs. L'univers visuel fera sourire ici ou là, mais on aurait tort de se priver d'un spectacle d'une telle qualité et d'une distribution si éblouissante. La production idéale pour partager de belles émotions opératiques et s'attendrir sur le dernier chef-d'oeuvre lyrique de Mozart.

Témoignage privilégié de l'art du grand Fischer-Dieskau en ses jeunes années – il n'avait que trente ans, et même vingt-huit pour Der Lindenbaum, manquant dans l'enregistrement du concert faute de courant, et remplacé par une bande avec Hertha Klust deux ans plus tôt –, cet enregistrement devrait séduire tant les adeptes que les sceptiques qui ne reconnaissent que le chant moins sophistiqué des premières prestations du baryton. Car tout est là, l'intelligence des mots, la juste emphase des inflexions de la musique vers l'abandon et une tristesse effleurée, parfois déjà presque abstraite. Si certains moments exhibent un legato auquel on aurait tort de croire que Fischer-Dieskau ne recourra plus, le verbe n'est pourtant jamais loin, encore qu'une approche plus purement musicale soit peut-être la plus grande caractéristique de cet enregistrement. Le jeu impeccable de Moore, en dépit de quelques légers incidents de concert, confère à ce cycle une force concentrée, une sobriété qui n'oublie jamais la délicatesse – Frühlingstraum, Das Wirtshaus – ni la précision – Erstarrung, Die Post. Les deux interprètes affrontent toutes les difficultés de ce recueil ascétique avec sans doute plus de fraîcheur qu'ailleurs, mais déjà une maturité impressionnante. Le rubato, idéalement équilibré, se laisse oublier au profit d'un phrasé naturel où le fond et la forme coexistent dans une rare osmose, à l'image des partenaires qui respirent comme un seul homme. Aux confins du silence, nourrie par une tendresse inédite – Gefrorne Tränen –, l'achitecture du cycle se révèle avec une clarté poignante dans cette bande qui, loin de constituer un Voyage d'hiver de plus, restera comme une lecture capitale et novatrice.

Inspiré de La Fontaine, l'avant-dernier opéra de Rameau fut à la fois un scandale et un échec retentissants ; le public ne goûta ni l'ironie de la musique, ni le mezzo carattere du livret, et fut surtout choqué par la provocation de certaines scènes, notamment les intrigues amoureuses masculines de la fée Manto jouée par un homme. La production du Châtelet s'est attachée à restituer l'univers décalé, parodique et impertinent de l'oeuvre, par un recours à un dispositif scénique envahi par la vidéo, et l'omniprésence de la danse – ou plutôt des danses. Classique, break-dance et autre capoeira accompagnent les moindres ressorts d'une action qui ici ou là demanderait plus de variété – les deux premiers actes sont tout de même parfois un brin répétitifs, sans doute à cause du dessein assumé par José Montalvo de confondre l'action et les divertissements – mais ne pourrait susciter plus de vitalité. Maintes trouvailles visuelles font sourire ou éblouissent, avec une poésie pas si éloignée du merveilleux baroque et du culte du plaisir – la danse des statues du jardin de Manto. Les chanteurs, très sollicités en scène, sont tous excellents, avec une mention spéciale pour le chant facile et suprêmement délicat de Topi Lehtipuu et l'espièglerie de Sandrine Piau. On appréciera moins le show un peu rebattu de Laurent Naouri, même si le rôle le permet. Restent l'orchestre et les choeurs des Arts Florissants, magnifiques de précision, d'inventivité, de caractérisation dans les textures et l'articulation. William Christie délivre une lecture colorée au possible, tantôt ductile, tantôt tranchante, de ce que l'on pourrait considérer comme la première opérette d'un compositeur de 77 ans, dans la veine caustique de ce qu'écrira un Offenbach.

Les nostalgiques des Noëls à l'ancienne apprécieront cet Oratorio éclairé à la bougie dans la collégiale baroque autrichienne de Waldhausen, très typique, avec au pupitre l'exalté chef du Concentus Musicus officiant dans son jardin musical de prédilection. À peine sorti de son intégrale des Cantates de Bach en CD pour Teldec, Harnoncourt enregistrait pour la télévision cet Oratorio de Noël très feierlich, avec les petits Tölzer en habit de diacres tout ce qu'il y a de plus liturgique. Ambiance messe de minuit sous la neige dans les pâturages de la Basse-Autriche, pour une prestation énergique et solennelle de ces six cantates parmi les plus souriantes du Cantor. On n'ergotera pas à l'infini sur la captation vidéo qui a vieilli, sur les menues faiblesses des solistes enfants, sur le timbre un rien pincé de Peter Schreier ou la relative placidité de Robert Holl, car restent la verve rhétorique du chef autrichien, la précision et l'articulation impeccable des choeurs, l'intégrité d'un Concentus sans compromis, engagé corps et âme, au prix de quelques grincements de colophane, dans la musique et ce qu'elle véhicule. La vitalité suffirait à être spectaculaire, si les images ne finissaient aussi par créer une véritable atmosphère en osmose avec le commentaire attendri des événements de la Nativité. Un DVD dont le kitsch colle bien à l'ambiance de Noël, à regarder au coin du feu.

La réputation des Monteverdi Choir et English Baroque Soloists de John Eliot Gardiner n'est plus à faire, surtout dans le répertoire haendélien – on se souvient d'un Messie indétrônable au sommet de la discographie. C'est donc sans surprise que ce coffret rassemblant quelques-uns des plus grands oratorios du maître constitue une somme d'une grande qualité. Comme toujours équilibrée, britannique jusqu'au bout des ongles, et agrémentée de choeurs insurpassables dans ce répertoire, la direction de Gardiner brille par sa rigueur et son élégance, et, même si l'on a connu Haendel plus fiévreux, plus audacieux, les phrasés impeccables et la redoutable efficacité de l'orchestre et des choeurs rendent justice à des oeuvres parmi les plus adulées du public en leur temps. L'invention dramatique et musicale de Saul, l'émergence du rôle des choeurs dans Israël en Égypte, la veine solennelle de Salomon et la maturité de l'ultime Jephté trouvent dans ces enregistrements une admirable variété des affects, une grande sobriété d'effets, et la déclamation impeccable de solistes presque tous anglophones. Une référence inestimable pour découvrir ou approfondir l'univers de l'oratorio haendélien, rassemblée dans un coffret économique idéal pour Noël.

En marge de la production très sophistiquée des majors du disque dans le domaine du récital, cet enregistrement fera sans doute figure de contre-produit ; le label en est confidentiel, le pianiste n'est pas une grande pointure, le clarinettiste du Pâtre sur le rocher vraisemblablement si méconnu que son nom n'est indiqué nulle part, la prise de son plutôt ordinaire. Qu'importe, il faut parfois sortir des sentiers battus, et Noël est une occasion privilégiée pour se laisser aller à quelque nostalgie. On nous a tant répété qu'en dehors des Barbara Bonney et autre Anne Sofie von Otter il n'était pas de chanteuses de Lied, qu'on est surpris de retrouver la fraîcheur et le naturel d'une des grandes mozartiennes des années 1970. Pas d'afféterie, ni de triche avec le studio : la chanteuse aborde avec simplicité quelques-unes des plus belles pages de Mozart et Schubert. Dans le corpus du premier, on regrettera l'absence de l'inspiré Lied der Trennung au profit de pages plus insignifiantes, mais on appréciera un programme Schubert très bien équilibré. La voix irradiante et toujours timbrée a pris un peu de vibrato avec les années, mais la tenue est toujours impeccable et le timbre affiche une jeunesse époustouflante. Sans les effets dont notre époque est friande, la chanteuse lucernoise énonce avec sobriété chaque vers sans jamais sacrifier la ligne ni surtout la simplicité du chant, avec un savoir-faire souverain. Le piano de Karl Engel sait parfois se faire inspiré – An die untergehende Sonne – mais reste un rien sage. Quant au clarinettiste, on l'oubliera bien vite, pour écouter cet art du chant en finesse mais toujours dans la couleur de la voix ; une leçon de naturel et de classe.